Fogo Contra Fogo, de Michael Mann

Digamos que Michael Mann procura não só fazer um filme de ação nos moldes habituas que Hollywood costumeiramente cobra desse tipo de filme como consegue como poucos se manter no esquema do cinemão americano (seu último filme, Miami Vice, é orçado em torno de U$140 milhões) e estruturar seus filmes com uma visão autoral que permite não só dialogar entre seus filmes como estimular o gênero como um todo.

O que mais me chama a atenção nesse filme e o que normalmente me identifico em seus filmes se resume ao papel estético que a cidade tem para Mann. Nesse filme Los Angeles aparece em longas tomadas noturnas de imenso impacto, junto as grandes avenidas e auto-estradas, grande parte das vezes mostradas de forma gráfica e conciza.frequentemente a cidade aparece como pano de fundo de várias casas e cenários. Num determinado momento do filme, o personagem de Robert De Niro e futura namorada conversam numa varanda de frente para a cidade, que acaba por ocupar toda a volta do plano, transbordando luz e quase que pedindo para ser notada. É interessante notar que de um certo modo essa sua preocupação se aprofunda se compararmos esse filme a Colateral, filme em que Los Angeles realmente é mostrada de forma completamente estilizada com a ajuda da imagem digital e participa intensamente de todo conceito que o filme, sendo de certa forma esmiuçada pela frenética correria dos personagens. ****

E La Nave Va, de Frederico Fellini

Um dos últimos filmes de Fellini, E La Nave Va se mostra quase que como se despedindo do público, onde a melancolia se junta à nostalgia de uma viagem afim de jogar as cinzas de uma cantora que todos a bordo a admiravam. Aqui já se demonstra um certo gasto com as fantasias que o diretor se abituou a mostrar na tela, um ritmo um pouco mais lendo que o habitual, mas a Direção de Arte, de Dante Ferreti, absurdamente estilizada, intensificando o ar operístico do filme, transforma a viagem num grando sonho. E quem consegue não se admirar com uma imagem como a mostrada acima ? ***

Os Filmes de Agosto

13 Distrito, de Pierre Morel - 2
Barton Fink, de Joel e Ethan Coen - 3
Blow Out, de Brian De Palma - 3
Close-up, de Abbas Kiarostami - 4
Duro de Matar 4.0, de Len Wiseman - 3
Estamira, de Marcos Prado - 3
Estranhos no Paraíso, de Jim Jarmusch - 3
Gritos e Sussurros, de Ingmar Bergman - 4
Nanook, de Robert Flaherty - 3
O Homem ComUma Câmera, de Dziga Vertov - 4*
Planet Terror, de Robert Rodriguez - 3
Ratatouille, de Brad Bird - 4
Simpsons-O Filme, de Davis Silverman - 3
Stanley Kubrick, Imagens de Uma Vida, de Jan Harlan - 5
Videodrome, de David Cronenberg - 3
*Revistos

Ratatouille, de Brad Bird

Era de se suspeitar da permanência da capacidade de imaginação e inovação da Pixar, primeiro porque foi recém comprada pelo grupo Disney e não sabíamos qual poder de interferência do grupo e segundo, pelo longa anterior da Pixar: Carros, que foi considerado um filme mediano em comparação aos anteriores da empresa. Ratatouille, além de ser um deslumbre visual, se coloca como um dos principais filmes feitos poe eles.

Apesar de estilizado, Remy, o ratinho que protagoniza o filme não se parece com um rato de boutique, (como, por exemplo Mickey?) ele aparenta ser um ratinho comum e isso poderia se transformar num grande risco para o sucesso do longa, visto que esse rato quer cozinhar num grande restaurante. Isso tudo além de estranho soa forçado, e o modo com que isso foi trabalhado é que completa o filme provoca lembranças dos antigos desenhos da Disney, por exemplo, em que o lúdico se encontra com o inimaginável aparecem várias vezes durante o longa como: Remy guiando o aspirante a cozinheiro pelos cabelos, o exército de ratos perseguindo o ex-chefe de cozinha do restaurante e ajudando nos afazeres da cozinha, e com as mãos limpas!

É lugar comum mencionar o capricho que cada animação da Pixar promove e cada filme avança horrores na questão técnica e Ratatouille não foge a regra: do acerto na concepção dos cenários e enquadramentos, no ritmo da narrativa, na transposição de uma Paris cotidiana e idealizada(alguns cenários externos chegam a parecererm reais), e ao acerto em caricaturar os personagens humanos de forma a fácil identificação. ****

Transformers, de MichaelBay

Transformers é o ápice da carreira de Michael Bay. Acho que foi a primeira vez que a crítica(não consigo entender) aprovou o longa que parece ser a grande sensação da temporada. Duas hora e meia de muito barulho, cortes toscos e um fiapo de história. O que no começo talvez se desenhasse algo de bom ao filme tentar não se levar à sério logo vira (de novo), numa blá-blá-blá militarista de quinta no qual Bay é um mestre. Tenho de admitir que os efeitos dos robôs são bons, bons apenas pois de tão detalhados e com a ajuda da montagem vertiginosa não proporciona fácil identificação. A câmera lenta é utilizada de forma covarde pois não está lá para provocar algum tipo de inflexão mais profunda e sim observarmos o quão difícil foi fazer aquele caos todo. **

Os Filmes de Julho

A Cor do Dinheiro, de Martin Scorcese - 3
Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore - 4*
Filhos da Esperança, de Alfonso Cuarón - 4
Harry Potter e a Ordem da Fênix - 3
Lavoura Arcaica, de Luís Fernando Carvalho - 5*
Munique, de Steven Spielberg - 5*
Notas sobre um Escândalo, de Richard Eyre - 3
Paris, Texas, de Win Wenders - 3
O Desespero de Veronica Voss, de Rainer Werner Fassbinder - 3
Os Produtores, de Susan Stroman - 1
Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado - 3
Rocco e seus Irmãos, de Luchino Visconti - 5
Tempo de Guerra, de Jean-Luc Godard - 2
Transformers, de Michael Bay - 2
Vestida para Matar, de Brian De Palma - 3
*Revistos

Munique, de Steven Spielberg

Munique faz parte da categoria de filmes "sérios" de Spielberg, como A Cor Púrpura, A Lista de Shindler e Amistad, podendo se destacar nesse grupo talvez como o mais sério, mais difícil e mais coeso de sua filmografia.

Ao mexer nesse vespeiro da disputas de terra entre Israel e, a partir dos eventos ocorridos durante os Jogos Olímpicos de Munique, em 1972, Spielberg consegue acertar um ponto chave para o sucesso do longa: não tomar partido. Isso não significa ficar em cima do muro ou simplismente não adentrar demais nas raízes do problema, mas de um modo simples até, dizer que ambos os lados estão certos ou errados, dependendo do grau de rancor de cada um.

A família, ponto central dos filmes de Spielberg continua lá, mas não detêm o mesmoa mesma forma ou função de outros filmes seus. Ao aceitar liderar um esquadrão de vingança aos palestinos, o protagonista não questiona só o fato de uma futura recompensa e independência financeira, ele precisa defender sua pátria(família) e fazê-la merecer respeito.

Munique representa de certa forma uma ruptura da recente fase de Spielberg, onde, se o clima triste e melancólico continua, sai o tom asséptico 'a la Kubrick ' que se fez presente em A.I, Minority Report, Prenda-me se for Capaz e Guerra dos Mundos e dá lugar a um caos de informações, de poluição visual, de uma ação quase documental.

Spielberg trabalha com talvez o melhor diretor de fotografia, pelo menos meu favorito: Janusz Kaminski, que aqui se supera, novamente. Habituado com o uso da intensificação da luz clara invadindo os ambientes, da translucidez, em Munique o tom cinzae alarenjado aparecem de um modo que eu nunca tinha visto. Há um quê de sufocamento nessa iluminação, e juntando a isso os planos muito bem sintetizados da dupla. *****

Os filmes de Junho

A Marca da Maldade, de Orson Welles - 4
Cão se Dono, de Beto Brant - 3
Cidadão Kane, de Orson Welles - 4
Conceição, Autor bom é autor morto, da (UFF) - 2
Crônica de Anna Magdalena Bach, de Jean-Marie Straub e Danièle Huillet - 2
Luz de Invierno, de Alexandro Arroz - 2
Proibido Proibir, de Jorge Durán - 3
Os doze trabalhos, de Ricardo Elias - 1
Quem bate à minha porta?, de Martin Scorcese - 3*
Santiago, de João Moreira Salles - 4
Zodíaco, de David Fincher - 3

A Pedra do Reino, de Luís Fernando Carvalho

Indo na contra mão do processo de "mexicanização" das produções da Globo que antes se limitavam às suas telenovelas, mas nos últimos anos tem frequentado também suas minisséries, antes produto de teor mais refinado mas que hoje diferencia-se da novela apenas pelo seu "verniz artístico", Luís Fernando mais uma vez rende seu trabalho à experimentação e à busca pelo não acomodamento da televisão aberta no Brasil.

Seu novo projeto, intitulado Quadrante, pretende traçar um painel dos quatro cantos do país através de transposição de obras literárias regionais, com a participação de atores da própria região em busca de uma valorização da nossa miscigenação cultural.

Se em Hoje é dia de Maria Luís Fernando ousou a novidade do experimentalismo cênico como peça fundamental, A Pedra do Reino se aventura na desfragmentação da narrativa,vários tempos acontecendo hora em devaneios, hora em transposições de lugar, nunca a opção mais fácil, mas sim pedida diante dessa exuberante adaptação. Não acredito que algo de tamanha impacto visual tenha aparecido em nossa televisão aberta na última década. A fábrica de sonhos deu lugar, pelo menos por uma semana, para o artesanato, para a ousadia de impor o barroco em uma arena sertaneja, da troca do falso sotaque nordestino falado por cariocas por, aí sim, um "sotaque nordestino estilizado feito pelos próprios nordestinos", pois não se pode deixar de lado a experência de representer algo que lhe é seu por pertencer a ele.

Seu próximo passo é transpor Dom Casmurro, de Machado de Assis, provavelmente para o trimentre final. *****

Os filmes de Maio

Acossado, de Jean-Luc Godard - 5

A Chinesa, de Jean-Luc Godard - 3

Maria Antonieta, de Sofia Coppola - 5*

Número 23, de Joel Shumacher - 3

O Homem-Aranha 3, de Sam Raimi - 4

Pickpocket, de Robert Bresson - 3

Santiago, de João Moreira Salles - 4

Traffic, de Steven Soderbergh - 3*
*Revistos

Maria Antonieta, de Sofia Coppola

-A beleza da futilidade-

Vez ou outra no cinema aparecem filmes que não se contentam só em contar uma história, mas aplicar o ponto de vista do autor sobre ele, contando algo já conhecido ou não. Cria-se então algo híbrido, algo que normalmente rompe de certa forma com o esperado e se une a recursos antes não aceitáveis para que aquela estrutura viessa a ser mostrada. Junto a isso vem o risco de se afundar sobre sua própria ambição. Considero que recentes filmes como Cruzadas, Coracão de Cavaleiro e Moulin Rouge se encaixem nesse perfil, sendo que apenas o último corresponda e supera as expectativas. A meu ver, Maria Antonieta entra para esse grupo e, como Moulin Rouge, atinge sua proposta.

Diretora de grande apuro visual e de sensibilidade musical, Sofia Coppola faz um filme considerando que Maria Antonieta seria uma mercadoria liberada da Áustria diretamente para a corte francesa. Encapsulada pela distância da família, frieza do marido e repulsa pelo "estilo-de-vida-da-corte", Maria Antonieta cria para si um universo próprio. A maneira de Sofia mostrar esse universo se transmite em : música cotemporânea (principalmente a dos anos 80), figurinos que de tão trabalhados que nos dão a impressão de um conto de fadas, montagem acompanhado a cadência da trilha, com certos momentos mais parecendo um imenso videoclipe. Aqui vale ressaltar seu acerto na escolha das músicas, que não só se resolvem como se tornam algo único, não dando para pensar em dissociá-las das cenas. Nos aspéctos técnicos o comparo a Barry Lindon, com visual exuberante das roupas, cenários riquíssimos, diferenciando na fotografia, que em Barry Lindon é amplamente baseada na iluminação natural e em Maria Antonieta é criado um aspecto "plástico", um excesso, quase que como que se as pinturas que retratam a corte ganhassem vida.

A diretora retoma aqui muitas aspectos de seu filme anterior Encontros e Desencontros, onde Charlotte, longe da família e num casamento problemático se perde nas ruas de Tóquio procurando sentido a sua vida. De certa forma Sofia faz de Charlotte e Maria Antonieta uma só. Ambas perdem seu olhar no horizonte, uma na Tóquio cosmopolita, outra nos imensos jardins franceses. As festas se repetem, incluindo ai as músicas. Ela basicamente "conta a mesma história" seja no Japão atual ou na corte francesa do século XVIII.

O filme é acusado de ser superficial. E é extremamente superficial, diferenciando bastante de filmes passados em época semelhante, onde o fardo de se mostrar um grande fato ou passagem é mostrado por vezes de forma acadêmica e engessada. Em Maria Antonieta não, não há essa proposta em nenhum momento, o fio narrador reside em Maria do início ao fim, inocentando-a de tudo qua acontecia ao seu redor por pura ignorância do que acontecia a sua volta pelo isolamento da corte com a população. Enfim, Sofia nos deu nova visão de uma das personagens mais marcantes da história recente. Se não foi bem assim, isso é cabe aos historiadores discutir, não a arte. *****

Os Filme se Abril

300, de Zack Snyder - 3
Amadeus, de Milos Forman - 5*
Amantes Constantes, de Philippe Garrel -3
Cartas de Ivo Jima, de Clint Eastwood - 2
Evil Dead, A Morte do Demônio, de Sam Raimi -1
Happy Feat - de George Miller - 3
Ladrões de Bicicleta, de Vittorio de Sica - 4
O Cheiro do Ralo, de Heitor Dhalia - 4
O Encouraçado Potemkin, de Sergei Eisenstein -4*
Maria Antonieta , de Sofia Coppola - 5
Viagem à Itália, de Roberto Rossellini - 3
*Revistos

Filmes de Março

A Lista de Schindler, de Steven Spielberg - 4*
A Rainha, de Stephen Frears- 3
Entreato, de René Clair - 4
Memórias de Uma Gueixa, de Rob Marshal - 3*
O Gabinete do Dr. Caligari, de Robert Wiene - 3*
Prenda-me Se For Capaz, de Steven Spielberg - 4*
Um Cão Andaluz, de Luis Buñuel - 4*
*Revistos

A Dama da Água, de M. Night Shyamalan

Esse foi um filme em que aguardei com grande ansiedade pois, além de gostar dos filmes anteriores do diretor, as informações obtidas pelos trailers e sites era que ele mostraria um conto lúdico, infantil até, que diferenciaria um pouco de suas obras anteriores. Tinha brigado dom a Disney por se não ceder a pressões e manter fiel ao seu argumento, ponto a favor, pois sempre é bom sabermos que um determinado filme segue uma linha autoral. Mas, vendo o filme, (já nos seus 15 minutos) minhas ilusões haviam se dissipado completamente. Eu via a cada 5 minutos um aconteciamnto incompreencível na tela, e a coisa toda ia ganhando ares de comédia mal focada. Tudo para mim soou estranho, desde a fotografia (ao passo que o poster do filme é um dos melhores ja vistos por mim) para mim problemática e pelo roteiro esquisitíssimo que vai se desenrolando de uma forma esquemática e burra, na minha opinião. Nunca vi James Newton Howard tão sem inspiração.
Para mim, a câmera de Shyamalan sempre foi um elemento importante em seus filmes pela ousadia e novidade: planos diefrenciados, com sua "pegada", seu tempo, mas que em A Dama da Água perdeu a mão, se tornando algo pedante e confuso de se ver. A história melhora um pouco conforme o filme avança, mas infelizmente não compreendi a proposta do diretor: fazer um conto de fadas em que ele não nos da nada de lúdico, nos "pede" para acreditar nessa história sem nos dar recursos para nós a acharmos razoavelmente crível, e um punhado de atores coadjuvantes construidos de forma caricata com falas apenas para nós montarmos nosso quebra-cabeça quando eles finalmente forem decisivos para o desfecho. Paul Giamatti e Bryce Dallas se esforçam, acho que o papel de Giamatti o melhor construído, tanto pelo ator como pelo caminho de seu personagem, mas isso apenas não basta para se possuir envolvimento. Labirinto do Fauno vai bem nesse sentido.
Essa não é minha opinião final, sei que preciso ver de novo, sei que muita gente gostou. Shyamalan marece outra chance. **

Filmes de Fevereiro

A Dama da Água, de M. Night Shyamalan - 2

Caminhos Perigosos, de Martin Scorcese - 4*

Jurassic Park, de Steven Spielberg - 4*

Manderlay, de Lars von Trier - 4 *

Miami Vice, de Michael Mann -2

Minha Super Ex-namorada, de Ivan Reitman - 0

O Perfume, de Tom Tykwer - 3

Os Bons Companheiros, de Martin Scorcese - 5*

Quem Bate à Minha Porta, de Martin Scorcese - 3

Taxi Driver, de Martin Scorcese - 4

Touro Indomável, de Martin Scorcese - 5*

Vem Dançar Comigo, de Baz Luhrman - 3

*Revistos